原題は『The Young Pope』。ジュード・ロウがローマ教皇を演じたドラマの後半。（前半の感想はこちら）

前半は教皇が最強でもう誰も逆らえないみたいになったところで終わった。
ジュード・ロウ自体が美しいし、そんな彼が人を従えている様子は、神というよりは悪魔のように見えた。要は邪悪だったのだ。でもその邪悪さも含めて蠱惑的な魅力をまとっていた。
自分の風貌を最大の武器と考えていて、自ら、「美しい青い瞳と柔らかな唇」と言っていた。投票率操作により落選させることもできると、イタリアの首相を脅すようなこともしていた。

しかし、ドラマをこちら側から見ている私はただただ恰好良いと魅了されても、ドラマの中の人たち、バチカンの人たちや信者はたまったものではない。教皇を失脚させようとしているのは国務長官だけではなく、他の枢機卿たちや、母同然のシスターメアリーも、兄弟同然のアンドリューもなんとか彼を止めようとしていた。

彼の最大の弱点はいなくなってしまった両親だというのがシスターメアリーはわかっていて、それを利用した策を出したりしていた。
シスター・メアリーにまでこんなことを思われては相当である。彼女だけは、いつどんなときも教皇というか、レニーの味方だと思っていた。

そんな中で教皇は、同性愛者弾圧をアンドリューに任せたが、疑惑をもたれた青年は失職し、自殺してしまう。さらに、もう嫌だとローマから元々いたホンジュラスに帰ると、マフィアの奥さんに手を出したことがバレて殺されてしまう。

ここまででおそらく7話が終わったところだったと思うが、急に人が死に始める。また、5話の最後に教皇御一行で家まで訪れた、神の天啓を得たような市民は行方不明になってしまったらしい。
行方不明はどうなったのかはわからないが、自殺した同性愛疑惑の青年に対しては別にどうも思っていなかったようだ。ただ、シスターメアリーにも嘘をつかせてしまったことに対して、アンドリューが殺されてしまったことに対しては本当に悲しんでいて、レニーがやっと人間の心を芽生えさせる。あんなに満ちあるれていた自信のかけらもなくなって、眉をひそめていた。

ここまで何度か、若いシスターメアリーと、子供のレニーとアンドリューが出てくるシーンがあって、そのすべてを思うと、友達というよりは兄弟くらい近い存在だったのだろうし、こんな親しい存在がおそらくレニーには他にいないのだと思う。それを思うと本当に悲しいし、間接的に自分が殺したことに後悔もあっただろう。

そこで、このドラマがただのヴィジュアル重視ではなくて、一人の人間の成長物語だとわかる。前半のような人を馬鹿にするような表情（それはそれで素敵だったけれど、さておき）は見せなくなる。

ただ、ヴィジュアル面でさぼっているわけではなく、8話ではアフリカへ行くのだが、その時には、いつもの白い祭服に真っ赤なマントと真っ赤な帽子と真っ赤な靴を履いていた。また、そこにある藁でできたような教会もおもしろかった。あんな教会あるのだろうか。

また、アフリカでのスピーチが初めて教皇らしいものだった。父と母と一緒にいた時の景色を想ってのもので感動的だった。それは教皇というよりレニーが話していた。教皇としてというより、人間として未熟だった部分が成熟していくのがわかった。

9話はグティエレス中心の回だった。そういえば、前半でニューヨークに派遣する話が出ていた。ニューヨークで、カートウェル事件の調査をする話で、ジュード・ロウはあまり出てこないし、なんとなく話が止まってしまったように思えた。けれど、実は全部繋がっていた。ちなみにグティエレス役はハビエル・カマラである。

カートウェルというニューヨークの大司教が子供達に性的虐待をくわえていたことを調べて、それを突き止めてローマへ帰ってきた。事件を追う、刑事ドラマのような一話だった。

その成果から、教皇はグティエレスを秘書にしようとするけれど、グティエレスは自分が同性愛者だと告白して拒否する。しかし、教皇はそれも知っていて、しかもグティエレス自身が幼いころに虐待を受けていたことも知っていて、ニューヨークでの調査を任命したとのこと。
当事者ならばしっかり調べてくれるだろうし、同性愛者なのを知ってて側近にするということは、今まで強硬な姿勢をとってきたけれど、考え直してみようということだ。
しっかり大人になっている。

また、今までは子供だったから母親（シスターメアリー）が必要だったけれど、もう必要ないとも言っていた。それは、シスターメアリーを自分から解放してあげるという意味合いも含まれていたのではないかと思う。

この回のラストで、カートウェルがレニーが過去に書いたラブレターをスキャンダルとして公表するけれど、このラブレターの内容がとんでもなく美しくてロマンティックだった。かつての恋人へあてたものである。もう終わった恋。あまりにも幼い内容。しかも出されていないラブレターだ。
悪（カートウェル）はしっかりと成敗され、心が洗われるような純粋なラブレターで終わる、良い回だった。
吹き替えで観ていたのだが、ここの森川さんの穏やかな声もとても良かった。

国務長官は前半は姑息な手段で教皇を失脚させようとして小憎たらしかっった。けれど、後半になるに従って、どんどん愛らしくなってくる。思えば、最初からふくよかな女性の彫刻に性的興奮をおぼえるなど、憎めない部分はたくさんあった。
ずんぐりむっくりな体型もいいんですが、風で一人だけ帽子が飛んじゃったり、シスターメアリーに再三言い寄って、別れのシーンではシスターたちの真ん中に陣取ったりもしていた。
サッカーマニアで、応援しているチームのユニフォームを着ていたり、チームを馬鹿にされると記者相手でも声を荒げそうになったり。
いつのまにか、教皇を失脚させることも考えなくなっていたようだった。教皇の最後のスピーチで民衆に微笑んでくれと言ったら、彼も微笑んでいた。

いくつか謎が残っていている。
結局、行方不明のトニーノ・ペットラはどこへ行ってしまったのか。国務長官は、顛末に関しては教皇との秘密で言えないんだと言っていた。少し嬉しそうだった。

子供のころ、友達の瀕死の母がレニーが祈ったら復活した話はどうだろう？ シスターメアリーもその場にいたとのことだが、話はいくらでも合わせられる。

不妊症だったエスターが祈ったら妊娠した話は？ レニーのあの可愛がり方はただ子供が愛おしかっただけだろうか。ピウス14世などと呼んでいたけれど。でもエスターと関係を持ったとは思えない。だって、過去に好きだった女性の足にさえ触れられなかったんだもの。童貞の可能性もあると思う。それにエスターもレニーのことを本物の聖人と言っていたから無いだろう。

シスターメアリーも両親がいないということをレニーが知っていたのは？ アンドリューから聞いたのではないかと思うがどうだろう。聖人だからわかると言っていたが。

アフリカの悪徳シスターが祈ったら死んだ話は？ 水に毒でも仕込んだかと思っていたけれど、ここまでの話がすべて神の力なら、本当に祈っただけかもしれない。

けれど、神を信じず、教皇のイメージとも違った男が、最後にはちゃんと慈悲深いスピーチをしていた。
前半の性壁をぐいぐい突いてくる感じもたまらなかったけれど、後半にぐっとと深まった人間ドラマも素晴らしかった。
結局は、両親に捨てられて傷ついた一人の男の子が、愛に鈍感ながらも周囲の人間と関わりながら大人になっていき、 両親も許そうと思うまでに成長するわかりやすいストーリーなのだ。

全編を通して映像がとても綺麗なのだけれど、今調べて監督が『グランドフィナーレ』のパオロ・ソレンティーノだったことを知る。映像美で有名な監督が撮っているのだから、そりゃ美しいわけだ。
建物を遠景でシンメトリーに撮る感じとか水の綺麗さもなるほどと思った。

バチカンが舞台なのにもかかわらず、賛美歌がほとんど使われないのも面白い。何度か使われていたのはReconditeの『Levo（Club Edit）』 。Reconditeはドイツ人のLorenz Brunnerによるテクノユニット。去年11月には日本酒と音楽のコラボイベントで来日もしていた。

あと、最近の海外ドラマにしては珍しく、シーズンいくつみたいな続編は作られず（多分。作れるような内容ではない）、10話ですっぱり完結するのも見やすい。
見やすいといっても、今のところ手段がWOWOWしかないので、はやくソフト化してほしい。
（追記：ソフト化されました。あとHuluでも配信されているようです）

ワイルド・スピード8作目。
監督は『ストレイト・アウタ・コンプトン』のF・ゲイリー・グレイ。

アクション映画としてはおもしろかったけれど、ワイスピ感は薄いのかなと思った。でも、私は1作目とユーロ・ミッション（6作目）以降しか観ていないので、私のワイスピ感が間違っているのかもしれない。
過去作からもキャラクターがふんだんに登場するので過去作を見ておいたほうが良さそう。私は少しわからない部分がありました。

以下、ネタバレです。








それがワイスピ感なのかはわからないけれど、カーアクションが少なく感じた。
カーアクションといっても、普通の映画に出てくるカーチェイスのようなものではなく、それを車でやっちゃうの？とか、そんなバカな！みたいなやつです。

今回の敵がハッカー（この敵とドムは、初対面ではなさそうだったけれど、シャーリーズ・セロンは過去のワイルド・スピードに出ている気配はないので、初対面でいいのだろうか）ということで、車を多数ハッキングして自動運転で操縦するシーンがあった。今の時代に合っている。自動運転車が当たり前になったら、このような事件があるのだろうか…と少し思ったけれど、ワイルド・スピード自体はありえないカーアクションの連発なので、そこまでは多分大丈夫だろう。

このシーンに限ったことじゃ無いし、もしかしたらワイルド・スピード全般に言えることなのかもしれないけれど、ロボットもののSF映画のようにも見えた。車がロボットで、乗っている人間が操縦士だ。自動運転の車が列をなしている様子は、制御を失ったロボットが追いかけてくるシーンのようだった。

裏切ったドムの車の周囲をファミリーの車が囲って、逃がさないようにそれぞれの車から紐を飛ばしてドムの車に繋げるシーンがあった。言葉はなくても、その紐を通じて、仲間たちの気持ちがドムに向かって行っているように見えた。車だけでも感情表現ができる。

また、ラスト付近で、生身のドムを仲間の車で囲んで爆風を避ける（いくら頑丈な車でもたぶんそんなことは無理だろうけれど、ワイスピなら許される）シーンも、仲間の想いの強さがわかった。

氷の下から巨大な潜水艦が浮上してきて追ってくるシーンは、まるで怪獣のようにも見えた。怪獣に追いかけられるロボット…。もう何の映画だかわからない。
このシーンから副題がICE BREAKなのかなとも思うけれど、言うほどアイスシーンも多く無い。予告にも出てくるし仕方ないけれど、氷の上を走るというのは伏せてほしかった。
オープニングは灼熱のキューバだし、そこからのギャップがおもしろい。

ただ、アイスブレイクとは、初対面同士が打ち解ける手法というような意味合いもあるらしい。新キャラも出てくるし、一緒に戦えば仲間になれるよ！という意味も含まれているのだろうか。

オープニングのキューバパートが一番ワイルド・スピードっぽかった。毎回、最初にレースは入るものなのかな。スターターのセクシーなお姉さんとともに。
無理をしすぎてエンジンから炎があがり、それでもそのまま走り続け、炎で前が見えなくなってきたので、バック走行に切り替えるというとんでもなさ。
しかも、相手の自動車のキーは受け取らず、尊敬だけ受け取っておくよとは恰好良すぎる。その上、このバトルの相手が伏線になっていたのもよかった。

しかし、オープニングでいいところを見せていたドムも、その後すぐに敵に服従してしまい、ファミリーと対立することになってしまう。ほとんど最後のほうまで、ドムの活躍は敵側の行動だけなのでさみしい。やはり、本当ならば、仲間のリーダーとして活躍しているドムが見たい。

ドムの裏切りの理由は、自分の子供を人質に取られてのことだったけれど、その辺が少しわからなかった。一緒に閉じ込められていたのは前妻なのかなと思ってしまったがどうやら違うらしい。私はドムの恋人はレティしか知らなかったけれど、その前というか、レティが死んだと思われた時に関係を持ったらしい。その時にできた子供なのだろう。

ただ、序盤にレティが子供が欲しいというようなことを言っていたけれど、ここに違う女性とドムの子供がいる…。どうするのだろう？と思った。けれど、見せしめとして、ドムの子供の母親は殺されてしまう。
これでドムは従わざるをえないだろうというのもわかるけれど、どうもご都合主義的に殺された印象を受けてしまった。

ドムの裏切りによって、EMP奪取に失敗したホブスは刑務所に収監される。そこで、正面の監房の中にいたのがデッカードだ。二人が言い合っている様子は、ドウェイン・ジョンソンとジェイソン・ステイサム好きとしてもとても嬉しいし、可愛い。
このあとの刑務所脱出アクションも、重量感のあるドウェイン・ジョンソンと流れるような動きのジェイソン・ステイサムと対比が見応えありました。特に、収監されていたからデッカードは当然武器を持っていないが、警備の人間の銃を持つ手を掴んで他の人を撃ったりするのが恰好よかった。

ホブスはドムが敵側にいる間は、実質リーダーのような感じになっていて、本作では出番がとても多い。
ホブス登場のシーンは、自分の娘のサッカーチームとハカを踊って敵のチームを威嚇するというものだった。小さい女の子たちと一緒にハカを踊るドウェイン・ジョンソンが本当に可愛い。全力で敵チームをあおっていたけれど、敵チーム（これも当然女子）からはあきれられるという始末。可愛い。

本作ではデッカードもファミリーに入る。呉越同舟である。ここでもホブスとわーわー言い合っていて可愛い。けれど、デッカードが死んだという報告を受けたあとは、寂しそうにしていた。

ファミリーの中でわーわー言い合うといえば、ミスター・ノーバディの部下として新人が入ってきて、その新人とローマンもソリが合わなそうでまた可愛かった。言い合いながらも協力する描写がたまらない。
この新人役がスコット・イーストウッド。『スノーデン』だと体育会系の役だったけれど、今回は青二才というか真面目ゆえに考えが行き届かないというか、どちらにしてもあまり賢くはない役だった。今回は憎めない役だった。

本作で一番好きなのは、デッカードがドムの子供を救い出してから脱出するまでのシーンである。子供といっても赤ちゃんである。赤ちゃんを寝かせたバスケットを片手に持ちながらのバトルがとてもいい。演舞のような流れるアクションはそのままに、合間合間で赤ちゃんのご機嫌もとる。銃声がわからないように、子供向けの楽しげな曲が流れるヘッドホンをつけてあげるのだが、子供の機嫌をとるシーンではその曲が小さく流れる。
赤ちゃんを守りながらだから、アクションはさらに複雑になるし、恰好良いバトルと赤ちゃんをあやす可愛さが交互にでてきて、そのギャップが面白いし、ジェイソン・ステイサムがより好きになってしまった。
ただ、カーアクションでもないし、ワイルド・スピード感はない。好きなシーンだけど、あとから考えた時に、あのジェイソン・ステイサムは何の映画だったか…とわからなくなりそう。

後半ではデッカードの弟、オーウェン（ルーク・エヴァンス）もファミリー側として参戦。でもほんのちょっとだけだったので、せめて最後の打ち上げシーンに来てほしかった。

同じく、話題になっていたヘレン・ミレンも出番はほんのちょっとだけだった。デッカードとオーウェンの母親役ということで、風格はばっちりだったけれど、アクションはなかった。「車を運転できるなら出演依頼を受けるわ」と言っていたのであるのかと思っていた。また、運転しないにしても、アクションはできるんだし、『RED2』のように、助手席で銃をかまえるとか…。でもそうしたら、そのまま『RED2』になってしまうか。もしかしたら次作以降に出てくるのだろうか。

今回、キャラクターが多かったけれど、ちょっと生かしきれていないかなとも思った。ただ、私の好きなドウェイン・ジョンソンとジェイソン・ステイサムはかなり活躍する。

せめて、最後の打ち上げでいろいろと回収してほしかった。ショウ一家も勢ぞろいしてほしいくらいだったけれど、三人揃ったらそのまま乗っとりそうかな。

ただ、死んだはずのデッカードが現れたのだから、ホブスと言い合うなり、一言交わすなり、何かあってほしかった。ただ、ホブス関連だと、FBIに戻る/戻らないの話があったので、これ以上打ち上げでホブスについては触れられなかったのかもしれない。本当に主人公になってしまう。ただでさえ、本編中もドムの影が薄めだったのに。

あと、レティは別に自分の子じゃなくても、ドムの子供ということでいいのかな。もっともめたり悲しんだりするのかと思っていた。その件をドムが説明したりもしていなかった。死んでいたと思われる時期のことだし、別に誰の子よ！ともならないのか。過去作を観ていないので、エレナとレティの関係もわからないけれど、顔なじみなのだろうか。エレナの子なら…という感じなのかな。殺されたエレナに対する追悼もそれほど大きく取り上げられなかった。

それより、子供の名前をブライアンと発表するなど、ポール・ウォーカー追悼が続いていた。「名前はあなたが決めて」というセリフが中盤に出てきたときに、ブライアンにするのだろうなというのは予測がついたし、前作の最後のポール・ウォーカーを追悼するシーンが完璧だったので、どうなんだろうと思ってしまった。でも、前作とは監督が違うし、F・ゲイリー・グレイも追悼したかったのかもしれない。ブライアンはそれだけ特別なキャラクターだということだろう。

もう少し、本編が楽しかったことに対するまとめの打ち上げシーンであってほしかった。ただ、本編中でドムはほぼファミリーを離脱して味方側にいなかったけれど、打ち上げの中心はドムであることを考えると、そのバランスが難しくなってしまうのも仕方ないかもしれない。

これもWOWOWのみの放送で、ソフト化もされていないようなので、邦題はWOWOWオリジナルのものと思われる。KADOKAWAがオールライツを獲得したらしいので、そのうちDVDででるのかもしれない（追記：『ヤング・ポープ 美しき異端児』のタイトルで10/6レンタル先行リリースとのこと）。原題は『The Young Pope』。そのまま、“若きローマ教皇”です。全10話のドラマ。

ピウス13世は実在するのかと思っていたけれど、ピウス12世以降、現在のフランシスコまで、ローマ教皇にそのような名前の人はいないようなので、架空の人物らしい。WOWOWの番組説明が、“史上初のアメリカ人ローマ教皇に選ばれたピウス13世のミステリアスな人生を描く”ともっともらしく書いてあったので、いるのかと思っていた。

主演はジュード・ロウ。はっきり言って、ジュード・ロウが聖職者の服を着ているというだけでも見る価値があるドラマ。
普通、牧師の服や教皇の服はストイックであり、着ている人物も慎ましやかで質素であることが多い。

けれど、本作ではジュード・ロウである。派手な顔のハンサムだ。そんな彼が、教皇の真っ白な祭服に身を包んでいる。前半だと一回だけ教会の外に出るときに私服（これも“白い”パーカー）を着ていたが、それ以外はずっと聖職者の服だ。
派手な顔にストイックな服。ミスマッチと思われるかもしれないけれど、すごく似合っている。そして、聖職者だからといって、顔の派手さを隠すようなことはしない。自分で自分の顔が良いことも自覚している。
男前が男前であることを存分に生かした役を演じると迫力があるものだが、本作もそれである。
オープニングでも、毎回、悠々と歩く教皇がやおらこちらに顔を向け、ウインクをして、いたずらっぽく笑う。こんなの絶対に好きになってしまう。

それにこの教皇、禁煙の教会内でタバコを吸い始める。とがめられるけれど、一番偉いのは私だと言って、吸うのをやめない。権力を持っていることも自覚している。

若くて顔が良くて破天荒となったら、俗っぽい人物を想像してしまう。周囲の人物たちも、若造具合が気に食わなくて、国務長官はなんとか失脚させようと企む。
あれだけのハンサムだと女性経験も豊富そうだし、女性好きだろうと、修道女を脅して、ハニートラップを仕掛けるのに協力してもらったりしていた。
教会の中のことだけれど、まるで政治もののドラマのようである。高度な情報戦と、狭い空間の中での派閥争い。味方と敵と、当然、スパイや裏切りなども。

しかし、教皇は屈しない。近寄ってくる女性と親しくはなっても、ぎりぎり教皇として接している。もちろん、キスや肉体的な接触もない。
実はハラハラしながら見ていた。私は教皇をまったく信用してなくて、国務長官の罠にはまってしまうのかと思った。
もしかしたら罠なのをわかっていたのかもしれないが、見事に退ける。

しかし、何事もなかったかのように退けたわけではなく、自らの欲望と戦っているかのようなシーンもあった。自分自身に課した修行のようなものだったのかもしれない。

一話の最初で、教皇がスピーチをしようとバルコニーに立つと、空が一気に晴れ上がる。まるで神のようだ。そこでひどく俗っぽくて破廉恥な演説をして市民をざわつかせ、教皇の任を解かれてしまう。
結局、これは夢だったのだが、彼の心の奥底にある願望とか気持ちなのかもしれない。

実際の就任スピーチは姿を見せず、シルエットのみで行っていた。しかし、市民がライトを当て、怒り、中へ下がっていく。すると、空は一点、稲光が…という、夢とは逆のものだった。（ここで姿を見せなかったので、昔はこうゆう謎の多い教皇が実在して、その人を描いたドラマなのだろう…と思ったら架空の人物だった）

おそらく教皇は人一倍俗っぽいし、一話では神を信じていないと言っていた。そのあと、冗談だと訂正したが、本音だろう。
しかし、誘惑に負けなかった教皇は一皮向けたように、青臭さと俗っぽさが消える。

彼の手の中にある権力は更に強くなって、もう無敵である。
枢機卿に向けての挨拶のときには、服装も装飾の入った冠とぶりぶりの凝った刺繍の入ったマントで仰々しい。
自分が上、お前らは下なのだと自覚させる恐ろしさ感じるスピーチは、決して虚勢ではなかった。もう年齢は関係無い。若いからってなめんなという宣言でもある。

枢機卿の一人が立ち上がり、あなたに従いますという意味を込めて教皇の前に跪いて足にキスをする。続々と枢機卿たちが同じような行動をするが、失脚させようとした国務長官は、足の前で顔を背けてしまう。
そこで、教皇はもう片方の足で頭を押さえつけて無理やりキスをさせていた。こんな屈辱ってないだろうなと思うけれど、もう逆らうことができないのもわかったはずだ。

教皇は、神を信じているというよりは、私が神だといった様子だった。しかし、権力を振りかざして、人を従える男前の教皇は、神というよりはむしろ悪魔のように見えた。慈悲深さなんてない。けれど、とんでもなくセクシーで魅力的である。（6話〜10話の感想はこちら）

『美女と野獣』ってあの『美女と野獣』でしょ？と軽い気持ちで観に行ったけれど、その完璧さに恐れおののいた。さすがはディズニーである。
91年のアニメ版が完成形だと思っていたし、それを今更実写なんて…という声を封じ込めるように、アニメ版に対して最大限の敬意を払っているのがよくわかった。雰囲気はまるで同じ、実写なのにアニメ版そのもののように感じた。

ただ、アニメ版を観たのはだいぶ昔なので、細かい部分は覚えていない。なので、アニメ版も観返してみました。

以下、アニメ版との違いなどを含め、ネタバレです。













まず、実写版ですが、オープニングのディズニーのロゴの城が、野獣の城になっている。そこから手前に薔薇を配して、「むかしむかし、あるところに…」と自然にストーリーが始まる。
この、手前に薔薇、奥に城という最初の構図はアニメ版と同じだった。
アニメ版では王子が野獣に変えられるまでをステンドグラスで絵本のように示していたけれど、実写では語っている人はいても、絵本調ではなく、普通のドラマになっていた。ただ、野獣役のダン・スティーブンスは、この時にはピエロのような化粧をしていて顔はわからない。最後、人間に戻る時まで顔は出ません。

最初のベルの暮らす村の朝のシーンはイメージはほとんど同じ。この後もそうなんですが、ベルや野獣の着ている服がアニメ版とほとんど同じなのが素晴らしい。色はまるっきり一緒です。デザインが少しだけ違うくらい。

ベルの父は、アニメ版だと小太りで陽気な発明家ですが、実写だとからくり人形師みたいだった。絵も描いていた。また、少し影も背負っていて、それは亡くした妻に関してのことである。アニメ版には妻の話は一切出てこなかった。原作には出てくるのだろうか。
疫病の妻を置いて、娘とパリを離れた話とその解決を入れる事で、父親のキャラクターにも深みが出た。

小さな村にガストンとその子分のル・フウが来る。ル・フウはアニメ版だとディズニーによくいる、悪役のお付きのただのおちゃらけたキャラクターである。善悪なんて考えずに、ただただガストンに従う。
けれど、実写版だと、これはもう最初からわかるのですが、ル・フウはガストンに恋をしている。だから、ガストンがベルのことを話すたびに切なそうな顔をするし、結婚しないのか？と聞かれてももごもごしていた。
このキャラクターにも深みが出ていたが、同性愛者ということで、上映されなくなった国もあるようだ。

ベルの父親が野獣の城に迷い込むシーンは、アニメ版ではルミエール（燭台）やコグスワース（時計）が結構すぐに話し始めていた。父親もあっさりと受け入れて、他の喋るティーカップなどとも仲良くなっていたが、これはアニメならではなのだろう。
実写ではそうはいかない。ルミエールたちは口をつぐみ、チップ（ティーカップ）は子供ゆえの無邪気さで話しかけてしまい、父親は大混乱して逃げ出そうとする。これが普通の反応だろう。
燭台や時計などはCGですが、アニメのようなデザインではなく実物のようになっていた。ルミエールもアニメだとろうそく部分に顔が付いているけど、実写だと燭台部分が顔でその上にろうそくが付いている。燭台の柄がぎりぎり顔に見えるようなリアリティ。なので、あからさまにCGと実写の人間の共演という雰囲気にはならなかったのも良かった。

実写の父親は驚いて外へ逃げ出したところ、城の入り口に植わっていた薔薇をベルへの土産に摘んで、盗人として野獣にとらえられる。薔薇を摘んでとらえられるというのは原作にもあるもののようだけれど、この薔薇がベルからのリクエストで、それは母親関連で…というのは原作にあるのかどうかわからない。
アニメ版ではポット夫人などときゃっきゃとおしゃべりしていたところ、野獣に見つかって不法侵入でとらえられていた。

ベルは村が田舎だからか時代なのか、本を読んでいるだけで変わっていると噂されている。これはアニメと実写で共通しているが、実写ではさらに、女の子に文字を教えていると、余計な事をするなと袋叩きに遭うシーンもあった。生きにくい。

ガストンがまた求婚するシーンで、アニメではガストンがベルの読んでいる本を水浸しにすることで彼のガサツさを描いていたが、実写だとベルの家の畑のキャベツを足で踏みつけることで描いていた。よりわかりやすい。
そのあと、ベルが“ミセス・ガストン？ 冗談じゃない”みたいな歌をうたうが、その時に、スカーフだかタオルを頭に巻きつけるんですが、それがアニメにも実写にもあってとても可愛い。このような可愛い仕草をちゃんと残しているあたりに愛を感じる。

父親の代わりにベルが城に閉じ込められるが、実写では先に野獣に会っているせいか、喋るポットなどもすぐに受け入れていた。絶望にくれているときに話しかけてきたのが彼らだったからかもしれない。
また、「全員動くの？」と言ってブラシに話しかけて、「それはただのヘアブラシ」と言われていたけれど、動く家具や雑貨がアニメ版よりも少なかった。アニメ版だとヘアブラシも動く。これは、少なくする事でそれぞれのキャラクターを引き立てる役割もあったと思うけれど、アニメ版だとそれ全部が最後に人間に戻ったら大変な人数にならない？とも思った。皿一枚一枚、ほうき一本一本がすべて人間に戻ったら城に入りきらない。アニメだとティーカップもチップ以外にも兄弟がいたけれど、ラストで人間に戻るのはチップだけである。他の子供達はどうした…。この矛盾も実写版では解消されていた。
動く家具などが少なくなったせいか、人間に戻ったら何をする？と歌う曲は実写ではなくなっていた（追記：アニメの劇場公開版でも長いという理由でカットされていて、スペシャル・リミテッド・エディションのDVDやBlu-rayのみに収録らしい）。しかし、実写用にアラン・メンケンが三曲新たに書き下ろしたとのこと。

野獣の表情もアニメと実写だと違っている。表情というか、気持ちの表情への出方というか。アニメ版だと、わりと序盤から、周囲に囃し立てられて、戸惑いの表情を見せたり照れたりしていたが、実写だと周囲に対してもベルに対しても威圧的。怒鳴ってしまい、ベルが最初の晩餐に来ないのは同じだった。

そして、一人きりのベルをルミエールたちがもてなし歌う、『Be Our Guest』のシーンは、アニメとほぼ同じ雰囲気だった。ここはアニメでもまるで夢の中のようですが、忠実に表現されている。食器たちのアクアミュージカルもあった。
歌も素晴らしいが、映像の豪勢さにうっとりする。このシーンはベルがお客さんとなってショーを見ているが、映画を観ているスクリーンの外側の私たちもベルと同じ気持ちになった。

その後、魔女の薔薇を見て野獣から叱責されて、ベルが城を逃げ出して狼に襲われたところを助けてもらうまでの流れも一緒だし、野獣の姿だけれど本当は優しいということもわかって、好きになっていくのも一緒。
ただ、アニメだと野獣とベルが仲良くなっていく過程で、小鳥との戯れのシーンがある。これはなかなか実写だと難しいし、野獣に小鳥が多く止まっている様子もアニメ的なので省かれていても別にいいと思う。
雪玉を投げつけ合うシーンは実写版にもあった。ここでベルが赤いずきんをかぶっていて可愛いのですが、実写でも同じ服装になっていて可愛い。

スープの飲み方もいいシーン。ここもアニメと実写で一緒ですが、アニメの方がより細かった。野獣の姿になって、手が大きくなってしまったためにスプーンが持てず、皿に直接顔をつけてガツガツ食べていたけれど、ベルがお皿を持ってそこからすするようにしてスープを食べたらいいじゃない？と順を追って説明していた。

有名な舞踏会のシーンもアニメと同じく黄色いドレスだったけれど、実写版はタンス夫人が何か足りないわねと言って、ドレスのスカート部分に綺麗な、でも主張しすぎない柄を付けてあげていた。
また、アニメだと野獣はダンスに慣れてなさそうだったけれど、実写だと元が王子だということを尊重してちゃんと慣れていた。

村の飲み屋での『強いぞ、ガストン』も『Be Our Guest』と同じくらいショーの雰囲気が強かった。個人的にはこの二曲のシーンが好きです。少し、実写版『レ・ミゼラブル』の『宿屋の主の歌』を思い出した。あれも、ヘレナ・ボナム=カーターとサシャ・バロン・コーエンが楽しそうに歌っていた。
演じているのがルーク・エヴァンスなので、歌の中での筋肉アピールはそれほどない。後半はともかくとして、ルーク・エヴァンスがとても恰好いいので、求婚されたら少し考えたくなってしまう。

ガストンとル・フウが、野獣の城をめざすベルの父親についていくというアニメにはないシーンがある。結局、森で迷ってしまって、ガストンがいらいらして、父親を殴り、狼の餌にすると森の中に縛り付けるというひどいことをするのですが、ル・フウはガストンを止めようとする。結局、ガストンのことが好きだから従ってしまうのが切ない。けれど、ル・フウが悪役にはなりきれない部分も見える。

結局父親は、村で物乞いをしている女性に助けられる。アニメ版にはこの女性はまるまる出てこない。実写だとこの女性は実は魔女だという描写が最後に出てくるのだ。魔女はここでも姿を偽っている。アニメ版だと最初のステンドグラスの絵本の中にしか魔女は出てこないし、悪者のような描かれ方をしているけれど、その点も実写だとフォローされている。

舞踏会の後、野獣とベルが心が通ったかと思われるシーンですが、ベルは父親のことが心配だと漏らす。野獣が魔法の鏡で父親の様子を写してあげると、実写では森から戻ってきた父親が殴る蹴るの暴行を受けていて、アニメでは一人で野獣の城に向かった父親が雪の中で行き倒れている。両方とも父親がピンチだ。
ベルは慌てて城を飛び出していくが、村に着いたベルはアニメ版では最初、村にいたときの青い質素な服装である。実写だと舞踏会の黄色いドレスのままで、確かに村の中では浮くけれど、村娘の恰好だと、慌ててるわりに着替えて出てきたの？と思ってしまう。黄色いドレスのままだと、緊迫感がよりよく伝わって来る。実写ならではのリアリティだ。

また。実写版では、ベルを帰した後に野獣の歌が新たに入る。そこでなぜ王子が野獣にされるような性格になってしまったのかが明らかにされる。母がはやくに亡くなったこと、父の教育…と、幼い王子の歌から始まる。野獣の爪でずたずたにされた肖像画も、アニメ版では王子一人だったけれど、実写版だと家族三人のものになっている。
王子の過去に触れることで、説得力とともに王子のキャラクターにも深みが出た。それに、アニメ版だとベルが主役という印象だったけれど、実写版だと王子が主役にも見える。

野獣の存在が村の人々に知れ渡り、松明を持って襲撃する。
アニメでは、ガストンに「野獣はあなたのほうよ」とベルが言うけれど、実写だと、村民やガストンが襲撃を行うための勇ましい曲を歌いながら行進しているけれど、ガストンの横でル・フウが小さな声で「ここにも野獣がいる」と歌うのだ。ガストンに従って襲撃にはついていくけれど、やっていることが正しいとは思っていない。けれど、大きな声では言えない。彼の気持ちが痛いほどわかってしまう。
ル・フウはアニメだと意気揚々と、悪い顔で率先してついていっていて、気持ちなどはまったくわからない。多分、何も考えていない。

この後の城内での戦いでも、実写版ではル・フウはポット夫人と意気投合して、城側に立つ。なんとか、ガストンを止めようとしている。

アニメ版ではタンス夫人が村民の男性に女性の服を着せると悲鳴をあげて逃走するシーンがある。実写でもこのシーンはあるのだけれど、三人の男性のうち、一人は嬉しそうな顔をする。そこで、タンス夫人は「自由に生きなさい！」と言うのだ。時代に合わせたメッセージ性を感じる、素晴らしい改変である。

ガストンと野獣の対決シーンは、実写の野獣のほうが俊敏だった。ガストンはアニメが弓、実写では銃を使っていた。これも多分変更の理由があるのだと思うけれどわからなかった。

薔薇の花びらの最後の一枚が落ち、魔法は解けなくなってしまう。
実写版では、ルミエールがただの燭台に、コグスワースはただの時計に、犬も元気に跳ね回っていたのにひっくり返ってただの足置きになってしまった。さっきまで元気に話していて、動きに愛嬌があって、親しみを持っていたキャラクターたちがただの物質になってしまう。物語の結末を知っていても、とても悲しくて涙が出た。このシーンはアニメ版にはないが、自分がここまでキャラクター達を好きになっていたというのがわかるいいシーンだと思う。

実写では魔女が現れて、すべてを元に戻す。アニメ版だと王子があまり恰好良くなく、ベルも奇妙な顔をしている（わけではないのだろうが）。野獣姿のままでよかったのにと思ってしまった。
実写版ではここで初めてダン・スティーブンスの顔が拝める。ベルの顔を両手で包み込み、信じられないというような、恋に落ちている表情をしていた。

ルミエールたちも元に戻るが、実写版だと城から追い出された村民がまだその辺にいる。でも、時間的にも、村民達の襲撃とガストンと野獣の対決は同じくらいの時間に行われていたはずなので、その辺にいるのが正しいと思う。
その中にポット夫人の夫と、コグスワースの妻もいて驚いた。村民は記憶を消されていたのだろうか。

平和になった城の中でのダンスシーンが最後にあるけれど、アニメではベルと王子が踊っていて、誰だかわからない人々が多数二人を囲んでいる。わりとちゃんとした恰好をしているようだったので元に戻った執事などではないと思う。ただ、誰なのか不明だ。

実写では村民たちも一緒に踊っている。タンス夫人に女性の服装を着せてもらって本当の自分に目覚めた男性（スタンリー）とル・フウが踊っている。良かったとは思うけれど、ガストン救済がまったくなかった。もしかしたら、ガストンとル・フウが一緒になるようなラスト改変があるかと思った。また、エンドロール後におまけ映像として、もうこりごりだよーみたいなのが加えられたり？とも思ったが…。落下してそのままである。

ベルが踊りながら、「また髭を伸ばしたらいいのに」と言うので、もしかしたら実写のベルも野獣姿のほうが好きだったのかもしれない。その言葉に王子が野獣の鳴き声で答えるのがとてもおちゃめで可愛い。

実写版のエンドロールは、変身させられた姿（燭台とか野獣とか）と元の俳優さん（衣装・メイクなし）と名前が一人ずつ出て、紹介映像になっていた。こんなところまでサービス精神を感じる。
ルミエール役がユアン・マクレガーだというのをここで初めて知る。『Be Our Guest』、本当に良かったし、声優としての演技もできることに驚いた。
その他にも、ポット夫人役のエマ・トンプソンがチップではないけれどティーカップを持っていて、それだけでとてもいい。

この二人の他にも、ベル役のエマ・ワトソン、野獣役のダン・スティーブンス、ガストン役のルーク・エヴァンス、コグスワース役のイアン・マッケランと英国俳優が多く揃えられている。
劇中に出てくる本もシェイクスピアだったり、円卓の騎士だったりとイギリス寄りだ。
（ただ、野獣が読んでいたのは『アーサー&グィネヴィア』ということで、円卓の騎士関連の中でもロマンスの度合いが強いものだと思われる。野獣は「剣で戦う話だ」と慌てて弁明していたけれど、ベルは知っているようだった。野獣の慌てぶりとロマンス小説を読んでしまうあたりが可愛い）

ここまでイギリスっぽいならいっそ舞台をイギリスにしてしまえば…とも思ったけれど、それはさすがに改変できないところだろう。それに、オープニングの曲の『Bell』に“ボンジュール”と出てくる。“ハロー”だとおかしい。

アニメ版で雰囲気の良かったところと細かい良かった部分は忠実に再現し、実写として無理のあるところや矛盾のあるシーンを直し、さらに個々のキャラクターの掘り下げまで行っている。
誰もが知っている名作を、ここまでの完璧さで仕上げてくるとは思わなかった。
もちろん元々のアニメ版がベースなのだから、アニメ版の素晴らしさの上に立っているものではあるけれど、私は実写版のほうが好きになってしまった。

原題は『En mai, fais ce qu'il te plaît』。英語タイトルは『Come What May』。
2015年、フランス/ベルギー制作。日本では劇場公開されておらず、ソフト化も今の所されていないので、邦題はWOWOWが独自で考えたものだと思う。

第二次世界大戦中の話。
主人公のハンスはドイツで反ナチ運動をしていたが、ベルギー人と偽って、息子のマックスを連れてフランスへ逃げてくる。
北部のレブッキエールという小さな村で暮らしていたが、そこでドイツ人だとわかってしまい、刑務所に連れて行かれ、息子とは離ればなれに。
その状態のまま、フランスにドイツ軍が侵攻してきて、村ごと南へと避難することになる。

このように、故郷を捨てて南へ避難したフランス人が1940年には800万人いたそうだ。映画の最初に“その旅をした母と一人の少女に捧ぐ”と出る。監督のクリスチャン・カリオンは1963年フランス生まれなので、すでに戦争は終わっていたようだが、彼の母がこの800万人のうちの一人だったのだ。
母の証言なのかはわからないけれど、実際に故郷から離れて避難した人々の話を元にしているとのことなので、戦争ものでも兵士ではなく、市民中心の描写になっている。

先に避難した息子を含めた村民と、村に帰ってきたけれどもぬけの殻で後を追う父親という二つの旅が並行して描かれる。
旅とかロードムービーとかいうと呑気なもののように聞こえるが、本作はどこでドイツ軍と会うかもわからない戦時中なので、常に緊迫感がある。ただでさえ、故郷から離れていて不安があると思うのに、その上、どこから、いつ攻撃されるかもわからない状態というのはかなり厳しい。

ましてや、ハンスとマックスは親子で離ればなれになってしまっている。
マックスは父親に会えるように、場所などを記したメッセージを村の学校の黒板に残す。これが邦題のブラックボードの由来だった。

マックスは村の人々と一緒とはいえ、一人だけドイツ軍だし、父親がどうなったかわからない状態で心細かったろう。
村の人々も、金がなくなってしまい、途中の村の商店が何も売ってくれなかったので襲撃していた。それだけぎりぎりの状態だったのだろう。

途中、プロパガンダ映画を撮るためのドイツ人の集団と会っていた。村ごと逃げていたため、大荷物であったり、村の人々は不安げな表情を見せていたり。そこへ容赦なくカメラを向ける。
映画の冒頭で実際の逃げている人たちの映像が流れたが、これがおそらく、ドイツ軍がプロパガンダのために撮影したものだと思われる。

また、爆撃機に襲われることもあった。多数の戦闘機が不気味なエンジン音を響かせて空の彼方から現れるのは怖かった。兵士ではなく、市民である。無抵抗だ。その集団に、上空の安全な場所から砲弾を浴びせる。
そこで逃げたマックスははぐれてひとりきりになった。

ハンスは、残していくのはもったいないからとワインをがぶ飲みし、ワインセラーで寝過ごしたら村の人々が出発しちゃっててとり残されたというちょっと間抜けな村民と、小隊からはぐれたイギリス兵との三人で南下する。
ハンス役のアウグスト・ディールはドイツ人役だしドイツ人なのでドイツ語はもちろん、フランスに逃げてきてフランス語、それにイギリス兵と話すのに英語も話せていた。
ちなみにイギリス兵役はマシュー・リースです。

三人のうち一人が兵士なので、二人くらいのドイツ兵なら戦えたけれど、複数現れては隠れることしかできない。結局、村民も撃たれてしまう。
村の人々が通った後をハンスたちも追っていく。途中の村の黒板にもメッセージが残されていて、マックスのいじらしさが見えた。
また、最初、金がなきゃ売らないよと言っていた商店の人たちも、一度襲撃されたので、ただで持って行っていいよと怯えていた。

イギリス兵とハンスの間に友情も芽生えていた。敵はナチスというのが共通していたのもあるだろう。イギリス兵はフランスの隊と合流していた。
ハンスはひとりきりになる。

ハンスもマックスもひとりきりになってから、二人が会うのは結構あっさりしていた。もしかしたらハンスの夢で、マックスは実は死んでいるのかなとも考えてしまったがそんなことはなかった。
二人が会うところとそれ以降は、トントン拍子というかうまくいくことの連続で、案外きれいにまとまってしまった。

ドンパチはそれほどないし、大量に人が死んだりもしないけれど、さっきまで普通に喋っていた個人が簡単に撃たれてしまったり、避難とはいえ馴染んだ村の人々と旅のような道中だったのに突如戦闘機が現れて仲間が死んでしまったりと、日常の中に急に非日常が割り込んでくるのが怖かった。
それと、単純に第二次世界大戦下のフランスの一般市民がこんな暮らしをしていたというのも知ることができて、興味深かった。

ストーリーとは関係ないのですが、避難する村の市長が飼っているアヒルが、かなり表情豊かだった。飛行機の音がしたら上空を見上げたり、兵士が近寄ってきたら袋の中に隠れたり。ちょくちょく映し出されるたびに和む。一人前の登場人物でした。

ソフト化されていないため、下の画像はサントラCD。音楽は、エンニオ・モリコーネ。

原作は映画での主人公、サルーが書いたノンフィクション本。
アカデミー賞で、作品賞、デヴ・パテルが助演男優賞、ニコール・キッドマンが助演女優賞、他、脚色賞などを受賞。

以下、ネタバレです。







ノンフィクション本ということで実話です。
オーストラリア人夫妻に養子として引き取られた主人公が、Google Earthを使って家をつきとめる話だというのは、予告編などからなんとなく知っていた。サブタイトルに“ただいま”と付いているし、実話の映画化ということは、四苦八苦してもたどり着けるのだろうと思っていた。

最初に考えていたのは、主人公はオーストラリア人夫妻の元で何不自由なく暮らしているが、揚げ菓子を食べたときに、はなればなれになった家族の記憶も一緒に蘇るのかと思った。それで、Google Earthなど他の最新テクノロジーを駆使して家をつきとめる、現代ならではの人探しものなのかと思った。

けれど、実際は人探しには重点は置かれていない。
デヴ・パテルが助演男優賞ということからも、青年の彼が主役ではないのだ。

現代から始まり、人探しをして、過去の回想があって、生まれ故郷に帰るという構成なのかと思っていたら、時系列だった。

まず主人公サルーの幼い頃から映画は始まる。
インドの山奥の貧しい村である。列車に無断で乗り込み、石炭を盗んでそれを市場のおじさんに持って行き、牛乳と交換してもらうような生活だ。父親はいないようで、母親も働いている。
サルーは兄の後をついて夜の仕事（これも盗みの類だった）を手伝おうとするが、眠くなってしまう。はぐれて、電車の中で寝てしまい、1600キロ離れた場所へ一人で連れて行かれてしまう。

東京から沖縄くらいが直線距離で1600キロらしい。この距離を結ぶ列車があるのがさすが広大なインド。そして、着いた先、カルカッタはベンガル語で、ヒンドゥー語しか話せないサルーの言葉が通じない。

大都市ではあるけれど（または大都市だから）、ストリートチルドレンも多い。ただ、路上で集団で寝ていても、人攫いに狙われる。
家に連れて行ってくれた優しい女性も、悪い奴に売り飛ばそうとしていたのだろうか。はっきりとは描かれないが、あの毒々しい色のジュースと、ためしに添い寝をしてみる男性があやしすぎた。サルーも嫌な予感を感じ取ったのか逃げ出していた。
孤児院のような施設もあやしかった。職員が夜な夜な子供を物色しているようだった。当たり前だけれど、子供はどこに行っても狙われる弱い存在なのだ。

サルーはおそらくそれほど孤児院にも長くはいなかったのだと思う。職員からの暴行も受けていないと思う。描写がないだけで本当はどうだったのかわからないが。

ほどなくオーストラリア人夫妻の元へと養子に引き取られていた。サルー自体が素直でいい子のようで、1年後に同じく養子として引き取られたマントッシュは難しいところもありそうだった。
しかし、おそらくマントッシュのような子供の方が多いのではないかと思う。サルーは迷子にはなったけれど、運良く他人から危害を加えられるようなことはなかったのではないか。マントッシュはきっともっと酷い目に遭っていたのではないかと思う。マントッシュは大人になっても稼いだ金をドラッグ代に使ってしまっていたようだ。

オーストラリア人夫妻は、自分の子供を作ることもできたけれど、貧しい子供を養子として育てて助けていたのだ。
ニコール・キッドマン演じるスーが過去の話をするシーンは泣けた。彼女にもつらい過去があった。悩んで、でも優しく接して。まるで聖母のようだった。実際のマントッシュが現在どうなっているかわからないけれど、スーのことも考えてあげてほしい。

観る前は、サルーは過去のことなど忘れてしまっているのかなと思っていたが、全部おぼえている。暮らしていたことも、迷子になった夜も、カルカッタで一人彷徨った日々も。彷徨った日々は死ぬほど怖かったはずだが、それよりも、自分のことを探しているであろう母と兄のことを考えるのが優しい。もちろん自分も会いたかったのだろうとは思うけれど。

サルーは、大学の仲間からGoogle Earthを使ったら？というアイディアを聞いてから、まるでとりつかれたかのようにそのことしか考えられなくなっていたようだ。
それでも、血眼になって生家をさがしているのをスーには言えないのもまた優しい。

結局、家が見つかって訪ねて行くのだが、幼少期からこの村にいなかったとはいえ、デヴ・パテルだけ異質すぎた。暮らしぶりが違ければ筋肉のつき方や身長の伸び方も変わるのだとは思うけれど、それにしても、他の村民と比べるとこの村出身とは思えないオーラになってしまっていた。仕方ないとは思いますが。

母とは再会できても兄はサルーが迷子になったその日に列車に轢かれて亡くなったらしい。母は一晩に二人の子供と離れることになったのだ。しかし、兄については亡くなったことがわかってもサルーは行方がわからなかったからだろう。戻ってくるのを信じて引っ越していなかったというのが泣ける。25年である。ずっと待っていたのだ。

サルーを演じる子役とはもちろん別人ですが、デヴ・パテルはちゃんと幼い頃の魂そのままに演じていたと思う。『ムーンライト』のシャロンもそうだったけれど、演じているのは違う俳優さんでもちゃんと一人の人物に見えるのが素晴らしい。

デヴ・パテルは助演男優賞だからそりゃそうなのだが、半分くらいはサルーの幼い頃の話だった。過去パートは映画を観る前は回想で少しの時間しか割かないのではないかと思っていた。

しかし、この映画の主題は、Google Earthがあってよかった！というところではないのだ。もちろん、列車の速度や微かな記憶を辿ってそれらしい場所を見つけられたのだから、あってよかったことはよかったのだけれど。

それよりも、インドで行方不明になる子供が現在でも8万人もいるという現状である。前半はドキュメンタリーのようなリアルな描写だった。ただ、決して80年代はこうでしたという話ではない。ストリートチルドレンがあんなにいることも知らなかった。

予告編だとテクノロジー万歳という話かと思っていたが、問題提起の部分がずっと大きい。サルーはとても運がよかっただけで、一歩間違えばどうなっていたかわからない。

自分の住んでいた村の名前を言い間違えていただけでなく、自分の名前すらも言い間違えていた。それだけ幼ない子供が迷子になってしまったのだ。無事に母にも再会できて本当によかった。

ラストで、サルーの本当の名前が明かされて、その意味が“LION”と出て、タイトルはそれだったか！と驚いた。予想外でした。

1996年公開『トレインスポッティング』の続編である。キャストはそのままなので、年をとっていて、映画の中でも現実と同じく20年経過している。

前作は若気のいたりというか、若いからこそ許されるようなダメダメ人間たちの話だったけれど、おっさんになった彼らはどうなっているのか。

前作の遺恨に決着をつける話でもあると思うので、絶対に前作は観ておいたほうがいいです。

以下、ネタバレです。










洗濯機、大きなテレビ、CDプレイヤー、車、クリスマスを一緒に過ごす家族…いろいろなものを自分で選べというモノローグで始まる前作。
自分で選べる自由な未来を手に入れろということだ。選べることは幸福で貧困層ではこうはいかない。

けれど、そんなことわかっちゃいるけど、そんな退屈な人生よりも、今が楽しいからドラッグがやめられない。やっとやめられたと思って、普通の仕事していても、昔の仲間が台無しにしにくる。

こんな生活もういやだと思ったマークが、悪巧みで得た金を一人で持ち逃げし、ここからスタートだ！というある種の希望のようなものに満ちたエンディングだったのが前作だ。

ドラッグ表現や禁断症状からの悪夢が音楽と相まって革新的な映像を作り出していた。まるで、ビデオクリップのようでもあった。

20年後、マークは未来を選べたのか。本作はその回答でもある。ただまあ、平穏無事な生活を送っていたら、映画にはなりませんよね。

マークはスポーツクラブのランニングマシーンで走っている。スポーツクラブに通う金と健康があるということは、ドラッグまみれだった20年前からは考えられない。20年前には金も健康もなかっただろう。

ああ、持ち逃げした金ではあるけれど、うまいことやっているのだなと思った。一方、持ち逃げされた三人だが、ベグビーは刑務所、サイモン（シック・ボーイ）はパブを切り盛りしているが、ゆすりのようなことをして生計をたてていて、スパッドは相変わらずのドラッグ中毒、妻（ゲイルと結婚していた！）と子供に逃げられている。

三人はまだエジンバラに暮らしていて、マークが20年ぶりに帰郷する。

サイモンは当然怒っている。20年間をめちゃくちゃにされたと言っていた。そりゃそうだ。今更お金だけ返されても時間は戻らない。けれど、幼馴染だから結局すぐに仲直りしていた。
マークもマークで、離婚したとか子供は実はいないとかは最初は嘘なのかと思った。またサイモンのことを陥れようとしているのかと思ったが、結局最後までどんでん返しみたいなものはなかったので本当だったらしい。それに、最初にランニングマシーン中に気絶していたのは心臓の病気だったらしい。これも嘘なのかと思った。

前作でスパッドにだけお金を残してあげていたが、スパッドはそれをドラッグに使ってしまったらしい。けれど、本作ではそこから抜け出そうとする。
マークに夢中になれることを見つけろと言われていた。サイモンの店のリフォームを手伝っていた時に生き生きしていたので、それかと思ったけれど、違った。でも、元の職場の仲間なのか、建築業の方々が集まってきていて、やっぱりスパッドはいい奴なのだと思った。
本作ではいい奴度がさらに強まっていて、おっさん相手に何を言っているんだという感じですが、キュートでもあった。
ここまでズルズルとドラッグに流されていたけれど、本当に我慢強く乗り越えるために、文章を書いていたというのが良かった。

懐かしい顔としてはダイアンも出てくる。字幕では名前が出てこなかったけれど、面影があったし、会話から間違いない。マークと一緒にいたベロニカのことを「あの子は若すぎるわ」ってどの口が言うのか。それでも、ちゃんと弁護士になっているあたりがしっかりしている。理想の20年後といった感じだ。もちろん彼女自身の努力もあったとは思うけれど、家がしっかりしていたのかもしれない。

相変わらずといえば相変わらずなのがベグビーで、刑務所を脱走してしまう。マークが金を持ち逃げしたことに、サイモン以上に怒っていたのはベグビーである。ただでさえ血の気が多い彼は脱走したあとも悪いことを繰り返す。

マークとサイモンが相変わらず姑息な悪事を働く裏で、映画を観ている私たちだけはラスボスのようなベグビーが刑務所から逃げてることを知っていて、いつ遭遇するのだろうとハラハラする。
そして、ベグビーとマークが会うのがクラブのトイレの個室というのがおもしろかった。隣り合わせの個室で軽口を叩いて、おや？みたいな顔をしていた。
そのあと、殺さんばかりの勢いでベグビーはマークを追いかけるけれど、20年ぶりの出会いがコミカルなものだったし、なんとなく本当に殺すまではいかないのだろうと思った。
地下駐車場で、助けを求めた車から流れているのがフランキー・ゴーズ・トゥ・ハリウッドの『リラックス』なのも、追いかけたあとのベグビーがバイアグラを飲んでいたとはいえ勃起しているのも可笑しかった。

最後のバトル時に、マークとベグビーが二人とも子供の姿になっていた。前作を見ていたら20年前の姿は知っていても、そんな小さな頃は知らない。私たちの知らない絆が彼らにはある。だから、コードに首をつられて苦しそうにしているマークの下から足を抱きしめて、こっちへ来いというようなことを言っている姿は、殺そうとしているにも関わらず切なかった。

ベグビーは最初、息子に拒絶されて、怒っていた。けれど、スパッドの書いた文章を読んで、自分がこうなってしまったのは父親のせいだと考える。そこで、自分はダメだったけれど、息子には未来を選んでほしいと伝えていた。
イギリスでよく言われている話として、“労働者階級から抜け出すためにはサッカー選手かロックスターになれ”というものがある。現在はどうなのだろう。少なくとも、ベグビーたちが20代の頃はそれがまだ生きていた。
ベグビーの息子が大学へ行けたのは、ベグビーが刑務所に入っていたからだというのも皮肉だが。

ベグビーは、どうせもうダメな人生なのだし、せめてお前（マーク）を殺して俺も死ぬ覚悟というだったのだと思う。歪んではいるけれど、これも、友達ゆえの考え方なのだと思う。裏切られたことが悲しかったのだろう。

結局、ベグビーも死なず（死んでしまってスパッドが殺人罪に問われたらどうしようかと思った）、三人の誰も死なない。原作のアーヴィン・ウェルシュかダニー・ボイルの良心だろうか。

2、3年後ではなく、20年後なのがいいと思う。十年一昔とかとんでもない。20年経ったら取り返しがつかない。台無しにされたことは重みとなってのしかかる。20代と40代では選べる未来の選択肢の数が違う。
だからこそ、マークはベロニカに説教めいたことを言ったのだろう。そして、ベロニカはあの時のマークのように金を持ち逃げする。ただ、持ち逃げとは言っても、うっかり儲けたみたいな金だし、その融資先のサウナも建てることはできなくなってしまったので、ベグビーのように烈火のごとく怒って追いかけてくる人もいない。

スパッドが街の風景を見て、20年前、マークと一緒に捕まったことを思い出すシーンがある。その他にも、『Born Slippy』のイントロや一部分がちょろっと流れるシーンがあって、映画の登場人物だけでなく、私の気持ちも一気に過去に戻る。音楽にはその力がある。

ダニー・ボイルは音楽を効果的に使う監督だけれど、特に『トレインスポッティング』ではそれが顕著に表れていた。

マークは帰郷し、実家へ戻ると母親は亡くなっているけれど、部屋はそのまま残してある。印象的な列車の壁紙もそのままだ。映画の序盤で、彼は自分のレコードを懐かしそうに見て、針を落とそうとするが、一瞬だけ音を出してすぐに針を上げる。
聴いてしまうと、気持ちがあの時代に戻ってしまうから聴けなかったのだろう。戻りたくなかったのだ。

しかしラスト、マークはもう一度実家に帰り、父親をハグし、部屋へ行く。改めて、序盤に聴くことができなかったレコードに針を落とす。流れ出すのはイギー・ポップの『Lust For Life』（本作ではプロディジーリミックスらしい）。これは前作のオープニングで流れる曲である。
前作ではこの曲を聴いて、ドラッグをやったマークが恍惚とした表情で体を反らして倒れこむ。本作でも同じ表情をするが、倒れこむことはなく、曲を聴いて踊るのだ。
聴くことができたことがまず変わったことだと思うが、それに加えて、聴いたあとの行動も変化した。
前作のオープニングと本作のエンディングが繋がって輪になった。続編として一番好きな形である。はやく二枚組のブルーレイを出してほしい。

20年。それでも、根っこの部分は変わらない。サッカーの試合を見て、マークとサイモンがぎゃーすぎゃーす話していたのが可愛かった。多分ずっと変わらない。

マークとサイモンが相変わらずバカやっていて、ベグビーが相変わらず大暴れしていて、その裏でスパッドはドラッグを断ち切るために必死で文章を書いていた。
過去の自分たちについて書いていて、その文章をラストでゲイルに見せる。「タイトルが決まったわ」って、あーそれこそが『トレインスポッティング』なのだ。原作が小説だからこそできるメタ構造が楽しかった。
前作が鑑賞済みであることは必須条件になってしまうけれど、続編としては満点だと思う。二作まとめて大好きです。